My Playlist (III): Heilung

Pubertät ist fast immer mit demonstrativer Ablösung von den lieben Eltern verbunden, und fast nichts eignet sich dafür so gut wie Musik. Meine Pubertät fiel mit den Hochzeiten von Punk (der fast vorbei war, als ich anfing, ins Nachtleben einzutauchen), den minimalistischen, auch Reggae-nahen Tönen von Police und Co, mit Ska und Madness und New Wave zusammen. Ich hätte es schlechter erwischen können in Sachen  Ablösung von den Älteren: Denen ging das alles angemessen kräftig auf die Nerven.

In besonderem Maße galt das für The Cure, die schon sehr früh mit Themen wie Depression, Selbstmord-Tendenzen etc. in Verbindung gebracht wurden. Cure sind eine Band der ausgehenden Siebziger Jahre, die musikalisch erheblich fruchtbarer und facettenreicher waren als die folgenden Achtziger. Zum Ende des Jahrzehnts konkurrierten da Police mit den Talking Heads, Madness, den Specials und Joe Jackson, und alles hatte Beat, war tanzbar und in seiner Essenz echte Party-Musik. Außer den Cure.

Die sahen aus wie Depressionskranke, die man als trauernde Punks verkleidet hatte, und machten eine höchst elementare Musik mit Texten, die es in sich hatten. Cure ist ein Schriftzug, den ich in den Tisch in meiner Klasse geritzt habe: Ich fand die immer nur lustig.

Mir geht das bis heute so. Wenn ich Robert Smith‘ Dackelgesicht sehe, wird mir immer noch warm ums Herz: der Kerl ist niedlich. Wenn er Depressionen oder Ängste haben sollte, dann definitiv nicht vor Kalorien:  Ein rundes, gesundes, fröhliches Mondgesicht könnte das sein, wenn er es nicht standesgemäß mit Schminke verwüsten würde (man würde ihn sonst auch kaum erkennen). Meist sieht er aus, als habe er sich die letzte Träne gerade erst abgewischt. Und dann schreibt er solche Texte:

„10:15 on a saturday night
and the tap drips
under the strip light
And I’m sitting in the kitchen sink
and the tap drips, drips, drips, drips…“

Klar ist der Sound des Songs düster, wenn man so will: Er zieht einen, auch wenn man nicht weiß wohin. Der Text malt ein Bild von der Verlassenheit des sitzen gelassenen. Und der sitzt ausgerechnet in der Küchenspüle und bekommt einen nassen Arsch, weil der Hahn tropft… – Hallo? Wie kann man das nicht lustig finden?

Ich glaube fest daran, dass das alles ironisch ist. Wenn man sich die Unplugged-Versionen anhört, wenn man Cure live hört und sieht, wie die Fans die Songs aufnehmen, wird das Missverständnis offenkundig. Das alles ist Karthasis, ein ironisches Spiel mit dem düsteren Gefühl, dass einen in Pubertätszeiten so plötzlich und mächtig anspringen kann. Smith zelebriert diese Momente und nimmt ihnen gerade dadurch ihr Albtraum-Potential. Mein Lieblingslied der Cure ist Lullaby, das Gute-Nacht-Liedchen also: Eine klaustrophische Albtraums-Szene, in der es heißt „Spiderman is having me for dinner tonight“ – serviert mit lustigen Pickings und Plugs, zu denen man sich auch einen kleinen Volkstanz vorstellen könnte. Am Ende des düsteren Gefühls steht da doch immer ein Lächeln.

Identitäten: Wie macht das Känguru?

Schon mal erlebt, wie ein Mem geboren wird? Gestern wurde Geburtstag gefeiert, ein 48. Entsprechend sah das Publikum aus: Ein wenig familärer Anhang (17 Jahre jung), ein paar ältere Nachbarn (Top-Alter circa 72), Beschwerde-Prävention. Und dazwischen die normale Spanne von Freunden, die so ein 48-jähriger hat: Alles von Ende 30 bis Ende 50 hoch.

Zu fortgeschrittener Stunde rutscht Kumpel Thomas neben mich auf die Bierbank. „Och Frank“, sagt er, „die sind doof. Die sind mich am verarschen.“

Ich dreh mich zum Stehtisch um, an dem Thomas bis gerade noch stand. „Der kennt Skippy nicht!“ ruft mir Thomas‘ Frau zu.
„Wie, der kennt Skippy nicht?“ antworte ich spontan, und alles brüllt vor Lachen: „Der ist zu juuuhung!“

„Doof“, sagt Thomas, „wat weiß ich von Skippy?“
„Wie willst Du denn dann die Millionenfrage knacken“, sage ich, „wenn Du mal gefragt wirst: Wie macht das Känguru?“

In diesem Augenblick geschieht es: Ein Mem wird geboren.

Denn spontan schalten drei, vier der Älteren am Stehtisch, formen einen Kussmund und machen schnelle, helle Schnalzgeräusche mit der Zunge: Tztztztztztz!
Brüllendes Gelächter.

„Wie macht das Känguru?“ und Küsschen-Staccato werden zum Running Joke des Abends. Es dauert nicht lang, bis auch die bräsige Titelmelodie gesungen wird. Die, die sie nicht kennen, bekommen sie per Smartphone und Youtube vorgeführt:

Mir wird bei der albernen Kiste wieder einmal klar, wie eng und kleinteilig definiert der Kanon der medialen Dinge war, der meine Generation geprägt hat. Die Fraktion um 50 wuchs mit Skippy auf, dem Steven Hawking unter den Kängurus, das so ziemlich alles konnte, was Fury (der Gangster verhaftende Gaul), Flipper (der weltrettende Delfin), Lassie (der allwissende Köter) und Ben (der Bär unter den Kinderfreunden) konnten – und dann noch ein bisschen mehr.

Alles übrigens tierische Helden, die vor allem fehlende Elternteile ersetzten. Die Viecher kümmerten sich in der Regel rührend um Adoptiv-, Stiefkinder oder Halbwaisen. Wir wuchsen also damit auf, das als normal zu empfinden: Entweder Amerikaner (oder Australier, wo immer das auch lag) waren alle irgendwie Halbwaisen und wurden deshalb von Tieren betreut, oder aber dortige Halbwaisen bekamen hyperintelligente Tiere als Betreuer. Selbst da, wo Mütter Teil des TV-Familienlebens waren, nahm man sie kaum wahr. In einigen Serien begegnet man öfter Pumas als weiblichen Wesen.

Ich weiß noch, dass ich mir wirklich mal die Frage gestellt habe, warum das so ist. Drauf gestoßen war ich allerdings durch die Disney-Figuren: Mickey, Donald und Co haben ja durchweg keine Eltern, sondern Onkel und Tanten. Kinder sind entsprechend Neffen (Nichten scheinen dagegen nicht zu existieren, soweit ich mich erinnere). Genau wie bei den Tierserien, fiel mir dann auf. Was mir nicht auffiel, war, wie beknackt das alles war.

Skippy konnte absolut alles. Und weil die Kängurus, die als Darsteller dienten, in Wahrheit natürlich absolut nichts konnten außer rumhoppeln und Tztztztztztztz-Küsschen-Staccato, kam es bildsprachlich zu einem andauernden Wechsel zwischen Totale und Detailaufnahme. In der Totalen sah man ein desorientiertes Känguru in der Pampa herumstehen. Im Detail sah man dann Tierpfoten, die irgendwas aufhoben und dann damit dann etwas extrem intelligentes machten (siehe Video unten).

Lag natürlich daran, dass der Typ, der die Tierpfoten hielt, intelligent genug dafür war. Wir hingegen nicht: Uns Kindern konnte man Ende der 60er, Anfang der 70er jeden Scheiß vorsetzen, wir fielen drauf rein. Meine Blagen waren dagegen ab 12 Jahre sogar von nahezu perfekter digitaler Tricktechnik angeödet: Sie haben bis heute eine total feine Sensorik, was Trick ist und was nicht. „Boah, war das schlecht!“, sagte mal eines der Kids über die T-Rex-Szene in Jurassic Park, die mich heute noch umhaut.

Dafür haben sie keinen Kanon von medialen Inhalten, der sie irgendwann alle in nostalgischer Erinnerung oder brüllendem Lachen einen könnte. Wir Älteren teilen unendlich viele Kindheitserinnerungen. Bei den Generationen nach uns begann die Aufteilung auf Heranwachsenden-Subkulturen schon mit den Vorlieben der Kindheit. Wo wir einen, dann zwei TV-Kanäle hatten, wuchsen sie mit 32 aufwärts auf.

So wie Thomas, der schlicht drei, vier Jahre zu jung ist, werden sie nie wissen, wie das Känguru macht. Und warum man darüber so dermaßen lachen kann.

Tztztztztztz.

My Playlist (II): Teenage Kicks

Was macht einen guten, zeitlosen Song aus? Was macht ihn glaubhaft? Emotional ansprechend in dem Sinne, dass er Gefühl nicht nur transportiert, sondern auch induziert: Was macht ihn also ansteckend?

Ich würde sagen: Dass Interpret und Interpretation sich decken, glaubhaft zueinander passen. Beispiel: „Teenage Kicks“ von den Undertones. Das Lied gilt als eine der Hymnen der Punk-Ära, ist aber im Grunde klassischer Rock ’n Roll: Immerhin sechs Akkorde werden da runtergespielt, vier in der Strophe, vier im Refrain. Hoch, runter, nichts besonderes.

Und der Text? Ein Archetyp pubertärer Sehnsucht:

„A teenage dream’s so hard to beat
Every time she walks down the street
Another girl in the neighborhood
Wish she was mine, she looks so good
I wanna hold her, wanna hold her tight
And get teenage kicks all through the night“

Besonders war der Sänger, Feargal Sharkey. Aufgewachsen auf Derrys katholischer Seite, wo einst die heiße Phase des Nordirlandkonfliktes begann, war der 1978 ein dürres 20-jähriges Kerlchen mit fiepsiger Stimme, dem man die sehnsuchtsvolle Hymne auf das Mädchen, das er sich als Partnerin erträumt, ohne je eine Chance zu haben, problemlos abnahm. Zu einem Hit, den sich der legendäre DJ und Moderator John Peel auf seinen Grabstein gravieren ließ, machte das einfache Liedchen genau diese Autentizität:

Sie ist die Bedingung dafür, dass dieses so einfach konstruierte Stückchen Musik etwas Emotionales lostritt – Teenage Kicks eben. Deshalb musste es in die Hose gehen, als die Schwiegermuttertraum-Weichspüler von Snow Patrol das Lied zu einer Art wutlosen Depressions-Aufarbeitung verwursteten. Bei Busted klingt es, als würde das Stück von schon als Kindern gecasteten Auswendig-Lernern gespielt, und bei Nouvelle Vague nur noch gekünstelt. Green Day spielen das Stück so routiniert, wie sie jeden Punk-Klassiker zur Qualitäts-Konserve machen – ein ironisch serviertes Zitat, das sie Live gern in ein Medley einbinden, in dem sie es mit Blur, den Beatles und Tears for Fears verrühren.

Jack White bekommt die Nummer hin, weil er sich offenbar noch immer ein Stückchen von dem Hunger darin bewahrt hat (hört man auch prächtig in “Seven Nations Army”, noch so ein Ding für die Ewigkeit). Besser als irgendjemand sonst schaffen es aber ausgerechnet die deutschen Bühnenhelden von den Beatsteaks – derzeit eine der klassisch britischsten Bands überhaupt.

Die bemerkenswerteste Version aber kommt vom Ukulele Orchestra of Great Britain. Die Ukuleles schaffen es ohne jede Peinlichkeit, ihre Jugend zu zitieren, ohne sie weiter vortäuschen zu müssen. Das ist Souverän und genau das, was die zu ewiger Pubertät verurteilten Mich Jaggers dieser Welt nicht draufhaben. „We can dream“, sagt der Sänger einleitend, „and I’m still dreaming.“ Cooler geht das nicht.

San Francisco 1906: Wer braucht schon Regeln?

Der hier gezeigte Streifen ist keineswegs, wie es bei Youtube fälschlich heißt, der erste 35mm-Film, der je gedreht wurde. Aber er ist ein frühes, eindrucksvolles Dokument, dass man Verkehrsprobleme auch mit totaler Anarchie lösen kann.

Der Film entstand mit Hilfe einer tragbaren 35mm-Kamera, die man auf einen elektrischen Straßenbahnwagen montiert hatte. Ein bemerkenswerter Blick in einen längst vergangenen Alltagsverkehr: Was heute amüsiert, ist die völlige Regellosigkeit. Alles und jeder läuft, reitet, fährt, kreuzt, biegt ab, überholt oder hält an wie er gerade Lust, Laune und Überlebenschancen hat oder sieht. Verkehrszeichen sucht man vergeblich, Fahrbahnmarkierungen ebenso – aber es scheint sich auch niemand aufzuregen. Alles wirkt ganz relaxed in diesem gemächlich fließenden Verkehrschaos. Das Tohuwabohu in der Temp-15-Zone überstanden auch Fußgänger offensichtlich meist unbeschadet, und einer der schnellsten Verkehrsteilnehmer ist der dreiste Radfahrer, der die Straßenbahn gleich mehrmals rechts überholt und sich dann keck davor setzt. Kann man so machen.

Die meisten Automobile in diesen Bildern dürften noch entweder Elektrofahrzeuge oder Dampfwagen gewesen sein. Benzinfahrzeuge wurden in den USA ja erst ab 1903 langsam populärer, vorher war Sprit einfach nicht verfügbar genug.

Wenn man diese Bilder sieht, kann man sich auch das oft zitierte Ende von Henry Bliss bildlich vorstellen. 1899 wurde der in New York zum ersten dokumentierten Auto-Verkehrstoten der USA, als er einer elektrischen Straßenbahn entsteigend von einem Taxi mit Elektromotor erfasst und überfahren wurde. Inmitten eines solchen Verkehrschaos mit zischenden Dampfwagen, nur vereinzelten knatternden Benzinkutschen und auf Kopfsteinpflaster klappernden Pferdehufen war das Elektroauto für ihn ein quasi lautloser Killer.

Völlig Regellos war natürlich auch das Chaos im Straßenverkehr von San Francisco 1906 nicht mehr. Erste Gesetze, Vorschriften und Zeichen, die den Straßenverkehr regelten, sind schon aus der Antike bekannt. Im 19. Jahrhundert wuchs mit der Motorisierung die Notwendigkeit zur Regulierung: In England gab es mit dem ‚Locomotive Act‘ von 1865 ein Gesetz, das es zeitweilig vorschrieb, dass Autos (damals natürlich Dampfautos) über Land nicht schneller als 6 km/h und innerorts höchstens 3 km/h „schnell“ reisen durften. Darüber hinaus musste ein Junge mit einer roten Fahne rund 55 Meter vorweg gehen und die Passanten warnen. Das Gesetz brachte den ersten Auto-Boom im Sinne des Wortes fast zum Stillstand, erst 1896 wurde der Schwachsinn wieder abgeschafft.

Etwa zu der Zeit begann man auch grenzüberschreitend über vereinheitlichte Verkehrsregeln und Schilder zu debattieren. 1895 preschten italienische Autonarren vor und schufen eigene Verkehrszeichen. 1900 begann in Paris die formelle internationale Debatte darüber, die schon neun Jahre später mit einem in Rom unterzeichneten Abkommen über vier international einheitliche Verkehrsschilder-Designs erste Frucht trug. „Schon“ ist hier deshalb der passende Ausdruck, weil es keineswegs in ähnlichem Tempo weiterging. Zu einem internationalen Abkommen, das sowohl die Verkehrsregeln, als auch die eingesetzten Signale und Schilder weitgehend harmonisierte, kam es erst mit dem Wiener Übereinkommen über den Straßenverkehr – im November 1968.

P.S.: Den 35mm-Film hatte William Dickson im Auftrag von Thomas Alva Edison schon 1893 entwickelt. Weil Edison, fraglos der versierteste Patent-Gewinnler seiner Zeit, in diesem Fall patzte, ein Patent in Europa verpennte und sein US-Patent verlor, wurden die 35mm schnell zum Standardformat für die professionelle Filmproduktion. Wegen der sehr schlechten Material-Haltbarkeit und der Silbergewinnung aus dem Recycling von Filmrollen gibt es aber nur noch sehr wenige Filme des hier gezeigten Alters.